¿Puedes descifrar a Hendrix con el sistema CAGED?

Los guitarristas han intentado emular a Jimi Hendrix desde que irrumpió en la escena en los años 60. Su estilo era tan poco ortodoxo que parecía pertenecer a un mundo propio. Con el tiempo, muchos han transcrito y analizado su música para intentar comprender mejor cómo concebía él la guitarra.

En nuestra opinión, la forma más intuitiva de entender su estilo es a través del sistema CAGED.

En este artículo:

  • Te mostraremos cada forma del sistema CAGED;
  • Explicaremos cómo Hendrix las utilizaba en su música
  • Te propondremos ejercicios inspirados en riffs clásicos de Hendrix.

Descarga más arriba el archivo de Guitar Pro con todos los TABS de este artículo.

¿Qué es el sistema CAGED?

El sistema CAGED es una forma de visualizar el diapasón utilizando las cinco formas de acordes abiertos: C, A, G, E y D. Como puedes ver en el diagrama de abajo, cada forma se conecta con las demás y nos permite tocar un mismo acorde en cinco posiciones distintas (en este caso, Cmaj).

Estos puntos de referencia nos ayudan a encontrar escalas y arpegios en cualquier parte del mástil y en cualquier tonalidad.

Jimi Hendrix llevó este principio al máximo. A menudo es difícil distinguir cuándo está tocando un acorde o una escala, ya que fluye con tal naturalidad que acaba formando un único todo lleno de matices. La introducción del icónico “Little Wing” es un ejemplo perfecto de esta forma de tocar.

Aprender el sistema CAGED no hará que automáticamente toques como Hendrix. Su sonido legendario es el resultado de muchos factores, pero comprender algunos de los principios fundamentales del CAGED sin duda te acercará. Antes de profundizar en la teoría, repasemos algunos elementos esenciales del estilo hendrixiano.

4 consejos para sonar más como Hendrix

#1 – Usa pastillas de bobina simple

En la gran mayoría de sus grabaciones, Hendrix tocaba una Stratocaster; si buscas su sonido, este es el camino a seguir.

Hay muchos recursos para emular el sonido de sus amplificadores, pero sin pastillas de bobina simple nunca será del todo fiel.

  • Una Stratocaster tiene un selector de 5 posiciones y cada una ofrece un tono único.
  • Hendrix prefería la pastilla del mástil y la posición 4 (mástil y central).

#2 – Varía la posición de tu rasgueo

Ciertas zonas de la cuerda tienen cualidades tonales diferentes, y Hendrix lo aprovechaba constantemente. No es algo en lo que mucha gente piense al tocar, así que experimenta con ello y tendrás una herramienta tonal única a tu alcance.

Toca cerca del puente para conseguir un sonido más brillante y con más agudos.

Toca cerca del centro de la cuerda para conseguir un tono más cálido y con más cuerpo.

  • Ten en cuenta que el centro de la cuerda varía según la nota que estés tocando:
  • La zona alrededor del traste 12 es el centro al tocar una cuerda al aire,
  • La zona alrededor del traste 17 es el centro al tocar en el traste 5, etc.

#3 – Mantente relajado

Hendrix podía tocar con bastante fuerza en algunos pasajes solistas, pero la mayor parte de su trabajo rítmico lo hacía con un toque ligero. Una de las claves de su sonido funk/blues era esa soltura al tocar: ¡relaja las manos!

Presta siempre atención a la intensidad con la que atacas las cuerdas. Este tipo de control dinámico hará que tu interpretación sea más expresiva y emocional.

#4 – ¡Agarra bien la guitarra!

Imagen: Jimi Hendrix (en directo, 1969) remasterizada por ZOO HD

Hay una diferencia considerable entre estas dos técnicas de la mano izquierda.

  • A la derecha vemos la posición clásica, con el pulgar colocado en la parte trasera del mástil y los dedos curvados.
  • Hendrix usaba un agarre muy distinto, con el pulgar sobresaliendo por encima del mástil y los dedos más planos sobre las cuerdas.
  • Este enfoque te permite presionar varias cuerdas con un solo dedo, lo que resulta ideal para añadir un vibrato amplio a tus dobles cuerdas.
  • Además Hendrix utilizaba el pulgar para presionar la fundamental en la cuerda grave (Mi), liberando así el resto de los dedos.

Es probable que tu agarre esté en algún punto intermedio entre estos dos estilos, así que no debería resultarte demasiado difícil adaptarte. Si usar el pulgar es un concepto totalmente nuevo para ti, ¡no te preocupes! Enseguida te enseñaremos cómo hacerlo. Siempre es buena idea calentar antes de tocar, especialmente cuando pruebas algo nuevo. Afloja bien las manos con esta rutina de estiramiento de dedos.

Ejercicios CAGED al estilo Hendrix

Forma de Mi

Vamos a empezar con la forma de Mi porque probablemente sea la más fácil de visualizar. Además, la mayoría ya estamos familiarizados con las notas en la cuerda grave (Mi), que es la tónica de esta forma.

Eso es solo un acorde con cejilla en forma de Mi, ¿verdad? Nada fuera de lo común. ¡Error! El siempre poco ortodoxo Hendrix utilizaba el pulgar para tocar la nota fundamental. Así es como lo hacía:

  • T – Pulgar 1

la cuerda grave (Mi)

  • 3 – Dedo anular en la cuerda D
  • 2 – Dedo medio en la cuerda G
  • 1 – Dedo índice en la cuerda B

Ahora que ya sabes cómo se hace, vamos a entender por qué.

Cuando usamos el pulgar para tocar la nota grave, liberamos los demás dedos. Esto nos permite añadir adornos alrededor de la forma del acorde.

A continuación tienes un diagrama con todas las notas de adorno que puedes tocar con el meñique libre. Podrás convertir al instante un acorde triada en algo más rico añadiendo intervalos de 4ª, 6ª o 9ª.

Es hora de ponerlo en práctica. Vamos a improvisar con este ejercicio.

Forma de La

Si ya dominas los acordes con cejilla, esta forma te resultará muy fácil. Un detalle importante es que tenemos una triada en línea recta a lo largo de tres trastes en las cuerdas D, G y B. Es una forma muy útil porque es compacta y se puede tocar con cualquier dedo, ideal para cambiar de posición.

No te preocupes, no te haremos esperar hasta mañana para el siguiente ejercicio.

Aquí tocamos la triada haciendo una cejilla con el dedo índice en el traste 9 y, a continuación, añadimos notas con hammer-ons y pull-offs.

Esta posición está justo a medio camino entre la forma de La y la forma de Sol; verás exactamente a qué nos referimos en la siguiente sección.

Forma de Sol



Hemos mencionado que la forma de La es ideal para cambiar de posición; y la forma de Sol aquí lo demuestra a la perfección.

En el diagrama de abajo puedes ver cómo encajan estas dos formas del sistema CAGED, con esa triada «5, R, 3» justo en el centro. Merece mucho la pena practicar la transición entre estas dos posiciones.

Nuestro siguiente ejercicio muestra cómo Hendrix se movía entre estas formas para crear partes de guitarra icónicas, como la introducción de The Wind Cries Mary.

  • Los tres primeros acordes son simplemente un power chord en forma de La y la quinta añadida en la cuerda grave (Mi).
  • Después cambiamos de posición a la forma de Sol, haciendo un hammer-on sobre la tercera cada vez que subimos un traste.

No estamos tocando las formas completas, solo fragmentos de ellas. Echa un vistazo al tab de abajo y pruébalo tu mismo.

Es mucho más fácil de entender cuando lo ves a través del sistema CAGED, ¿verdad?

Forma de Do

Vamos a ver un fragmento de Castles Made of Sand para entender un poco mejor cómo Hendrix utilizaba la forma de Do. En el diagrama de abajo utilizamos la forma de Do, con la tónica en el traste 12 de la cuerda A, por lo que estamos ante un acorde de La mayor.

Prueba el siguiente ejercicio. Asegúrate de visualizar la forma del acorde en el diapasón mientras tocas y presta atención a esas notas de color que estamos añadiendo. Ver y entender exactamente lo que estás tocando es fundamental para dominar el sistema CAGED.

Forma de Re

Esta es quizá la forma menos popular del sistema CAGED, ¡pero que eso no te desanime! Si Hendrix encontraba formas de usarla, ¡nosotros también!

Puede resultar más útil pensar en la forma de Re como una extensión de lo que viene antes: la forma de Mi.

Este siguiente ejercicio muestra cómo Hendrix utilizaba la forma de Re para dar más brillo a un riff basado en la forma de Mi.

Presta mucha atención al último compás, es ahí donde se utiliza la forma de Re.

¿Qué es el «acorde de Hendrix»?

En términos teóricos, el «acorde de Hendrix» es un dominante séptima con novena aumentada. Tiene un sonido único: bluesy con un toque de disonancia.

  • Su construcción es: fundamental, tercera, séptima menor (b7) y novena aumentada (#9).
  • Escucharás este sonido icónico en muchas canciones de Hendrix; el siguiente ejemplo está inspirado en “Purple Haze”.

La gran pregunta es: ¿cómo encaja dentro del sistema CAGED?

Este acorde es un poco atípico; como puedes ver en el diagrama de abajo, se sitúa justo entre las formas de Do y de La.

Ejercicio extra

Aquí tienes el último ejercicio. Practica este groove con el acorde de Hendrix y la forma de Mi.

También hemos añadido un par de recursos típicos del estilo de Hendrix entre los acordes, para completar la idea. ¡Diviértete!

Conclusiones

Sabemos que Hendrix nunca aprendió el sistema CAGED, ya que en aquella época no estaba claramente definido. Aun así, es evidente que entendía la naturaleza interconectada de los acordes y las escalas a lo largo del diapasón.

  • Su enfoque simplificado, basado en triadas, tenía sus raíces en estas formas.
  • La manera en la que visualizaba y recorría el diapasón fue un precursor del sistema CAGED moderno: ¡realmente iba adelantado a su tiempo!
  • Uno de los muchos beneficios de aprender el sistema CAGED es poder analizar a otros guitarristas.

Aunque emular a Hendrix no es tarea fácil, el sistema CAGED es una excelente manera de entrever su forma de pensar y, al mismo tiempo, adquirir una comprensión mucho más profunda del instrumento.

Si quieres profundizar, echa un vistazo a la nueva Hendrix CAGED Masterclass de Pickup Music. Tienes una prueba gratuita de 14 días, ¡así que no hay excusa para no hacerlo!

Cómo ajustar tu guitarra eléctrica en 4 pasos

Comment régler sa guitare. How to set your guitar.

Conocí a Grégoire Hotier, un talentoso luthier francés con un bonito taller situado en un pequeño pueblo llamado Méricourt, en el norte de Francia.


Grégoire ha tenido la amabilidad de compartir sus valiosos consejos y técnicas para ayudarte a ajustar tu guitarra. Lleva más de 15 años reparando, calibrando y creando instrumentos musicales y pedales de efectos.


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¿Por qué es necesario ajustar tu guitarra?

Tocar una guitarra bien ajustada mejora, ante todo, la comodidad al tocar. Cuando una guitarra sale de fábrica tras su fabricación, por lo general no está ajustada, o bien puede desajustarse durante el transporte.

Además, es fundamental ajustar la guitarra para obtener una entonación precisa. Un buen ajuste en una guitarra eléctrica también evita ruidos o chasquidos indeseados provocados por las cuerdas al rozar contra el diapasón, lo que produce un sonido metálico y desagradable.

Señales de que tu guitarra necesita un ajuste

Si la altura de las cuerdas respecto al diapasón es demasiado grande, significa que tu guitarra necesita un ajuste. Cuanto mayor sea esta distancia, más difícil resultará tocar con comodidad.

También es importante ajustar correctamente la guitarra para que mantenga la afinación al tocar en todo el mástil.

Consejo de limpieza:

En las guitarras eléctricas, es necesario limpiar regularmente las partes electrónicas. Si notas un mal contacto en el jack de entrada o escuchas ruidos de chasquidos, coge un pequeño trozo de papel de lija y enróllalo formando un cilindro fino. Luego introdúcelo con cuidado en el jack de tu guitarra para eliminar las posibles impurezas acumuladas en su interior.

Aquí tienes los 4 pasos que recomienda Grégoire para ajustar correctamente tu guitarra.

¿Cómo ajustar tu guitarra?

Paso 1: comprobar la altura de la cejuela

¿Qué es la cejuela de una guitarra?
La cejuela es la pequeña pieza situada entre el mástil y el clavijero de la guitarra, que cuenta con 6 ranuras. Su función es sujetar las cuerdas y garantizar tanto su correcta separación como la estabilidad de la afinación.

Para comprobar y ajustar la profundidad de las ranuras de la cejuela, empieza presionando la cuerda en el tercer traste y observa la altura entre la cuerda y el primer traste. La galga debe poder pasar sin tocar ni el traste ni la cuerda, sin que haya resistencia. Si la cuerda toca el primer traste o si el hueco es demasiado grande, significa que el ajuste no es el adecuado.

Existen galgas de distintos grosores; en una guitarra eléctrica, la distancia ideal debe estar entre 0,15 y 0,20 mm.

Paso 2: ajustar la curvatura del mástil

Este paso consiste en ajustar la curvatura del mástil según el calibre de las cuerdas. El mástil nunca debe estar completamente recto; siempre debe tener una ligera curvatura. Para comprobar si esa curvatura es la adecuada o no:

Presiona la cuerda en dos puntos: en el primer traste y en la unión entre el cuerpo y el mástil.

En una guitarra eléctrica, presiona la cuerda en el primer y en el decimoquinto traste, y comprueba que no haya ni demasiada ni muy poca distancia sobre el séptimo traste.

El espacio recomendado entre el traste y la cuerda debe estar entre 0,10 y 0,25 mm.

Para hacer esta comprobación, puedes utilizar una cejilla. Colócala en el primer traste y, a continuación, presiona la cuerda en la unión entre el cuerpo y el mástil, aproximadamente en el decimoquinto traste.

Si el hueco es demasiado grande y la galga pasa con demasiada facilidad, deberás apretar el alma para disminuir la ligera curvatura en el centro, y así acercar las cuerdas al diapasón.

Si la galga no pasa en absoluto, tendrás que aflojar el alma desde el tornillo situado en el clavijero de la guitarra.

Imagen: WikiHow. El alma de la guitarra.

Paso 3: ajustar la altura del puente

En una guitarra eléctrica, debes procurar que haya una distancia de 1,8 mm en el traste 12 entre la parte superior del traste y la parte inferior de la cuerda en el lado de los graves, y de 1,4 mm en el lado de los agudos.

En este tipo de puente, puedes ajustar la altura apretando o aflojando los tornillos situados a cada lado del mismo.

Ajusta los tornillos del puente hasta alcanzar estos dos valores.


Paso 4: ajustar las selletas

Ahora ajustaremos la profundidad de las selletas.

¿Qué es una selleta en una guitarra?
En las guitarras eléctricas, las seis selletas se encuentran en el puente y permiten ajustar la altura de cada cuerda de forma individual.

Primero afinaremos la guitarra. Comprobaremos la afinación tocando los armónicos, empezando por el traste 12 de la sexta cuerda (la cuerda de Mi grave). Utiliza un afinador lo más preciso posible. Después, presiona el traste 12 y toca la nota. Si el ajuste es correcto, la nota estará afinada.

Si el afinador indica que la nota está demasiado baja, significa que la selleta está demasiado atrasada y deberás moverla hacia el mástil.

Ajustar una guitarra no es tarea fácil. Te recomendamos acudir periódicamente a un luthier para recibir el mejor asesoramiento. Y recuerda que la afinación y los ajustes varían según el tipo de guitarra.

No dudes en dejar tus preguntas en los comentarios.

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10 solos de guitarra fáciles y divertidos para principiantes

De acuerdo, el ritmo es sin duda la parte más importante de tocar la guitarra, y si quieres montar una banda y componer canciones, necesitas dominar los power chords y mejorar tu técnica de rasgueo.

Pero dicho esto… ¿hay algo más divertido que tocar un solo? La historia de la guitarra rock está hecha de esos momentos épicos de 30 o 40 segundos en los que nuestro instrumento favorito se convierte en el protagonista absoluto, aportando su versión de la canción.

Como principiante, es comprensible que te dé algo de respeto empezar con los solos. Se consideran más exigentes técnicamente que las partes rítmicas (aunque eso es debatible) y pueden parecer mucho trabajo. Pero hay solos más sencillos, sobre todo porque no son tan rápidos ni están tan llenos de notas como otros.

Para trabajar un solo, empieza escuchándolo varias veces para entender su musicalidad y intención. Luego aprende la parte rítmica si realmente quieres comprender cómo se articula. Y después métete de lleno con el solo en sí. En la app Play Guitar Hits tienes muchas lecciones de guitarra, y muchas de ellas te guían por partes de guitarra solista fáciles y te muestran exactamente cómo tocarlas.

Descarga Play Guitar Hits

No vayas demasiado rápido: que puedas tocar un lick o una frase no significa que domines el solo. Empieza con la primera frase musical, tócala despacio y, una vez que te salga limpia, sube la velocidad hasta alcanzar el tempo original. Luego haz lo mismo con la segunda frase y tócalas juntas con la pista. Y así sucesivamente. Tocar un solo significa tenerlo todo memorizado, lo cual requiere tiempo y paciencia, pero es la mejor manera de mejorar como guitarrista solista. Hacerlo te enseñará cómo construir solos, además de aprender licks que podrás usar en tus propias canciones.

Sin más rodeos, aquí tienes diez solos legendarios que puedes tocar como principiante con un poco de práctica. Todos están disponibles en Play Guitar Hits, donde encontrarás las tablaturas y vídeos, los cuales podrás ralentizar para captar todos los detalles.

¡Elige una canción que te guste y empieza a rockear!

Nirvana – Come As You Are (Parte 8)

Muy pocos guitarristas consiguen transmitir tanta emoción con tan pocas notas. Kurt Cobain era un gran músico capaz de contar una historia con apenas unas frases.

Este solo es básicamente la melodía vocal tocada con la guitarra, lo cual siempre es un buen truco si no sabes cómo enfocar tu parte solista. Hay muchos slides y también un bend de dos cuerdas a la vez, pero el estilo despreocupado de Cobain hace que no tengas que obsesionarte con la afinación de los bends.

En cuanto al sonido, la distorsión es imprescindible y un pedal chorus te acercará al efecto acuático de la grabación original.

The Pixies – Where Is My Mind (2) (Parte 1)

Este himno del indie de finales de los 80 comienza con una melodía de guitarra icónica que, aunque no es un solo como tal, usa técnicas del lenguaje solista y es tan divertida de tocar que no querrás perdértela por una cuestión técnica.

El guitarrista Joey Santiago toca este lick con su Les Paul, con overdrive a media potencia, aprovechando la disonancia de tocar la cuerda al aire (mi aguda) junto con el mib (traste 4 de la segunda cuerda). De hecho, esta canción utiliza la escala mayor de Mi en lugar de la habitual pentatónica menor.

Oasis – Don’t Look Back in Anger (2) (Parte 2)

¡Otro solo en escala mayor! Este está en Do mayor y es tan épico como la canción a la que pertenece. Noel Gallagher lo toca con una Epiphone Sheraton con distorsión suave, pero en Play Guitar Hits encontrarás un arreglo más tranquilo para guitarra acústica. No se aleja mucho del original y te permite practicar double stops (tocar frases solistas en dos cuerdas a la vez), una técnica clásica que popularizó Chuck Berry.

The Blues Brothers – Peter Gunn (Parte 2)

Hablando de Chuck Berry, aquí tienes un solo de blues que aprovecha su clásico lick, alternando bends en la cuerda G con double stops en las cuerdas B y E aguda.

Aunque Steve Cropper solo toca la parte rítmica en la grabación original, en Play Guitar Hits encontrarás un solo bluesero muy guay que encaja perfectamente con el vamp en mi menor pentatónica sobre el que gira toda la canción. Se usan algunas notas de la escala mayor de Mi, pero el resto es puro blues pentatónico menor, desde la primera posición hasta la octava. El solo tiene muchísimos licks buenos, incluyendo uno increíble con bend en la G junto con una nota sin bend en la B.

Cada lick aquí es una joya para tu vocabulario bluesero. ¡Ya sabes lo que toca!

The Cranberries – Zombie (Parte 2) 

Este clásico de los 90 se mueve entre tema instrumental y solo. La parte de guitarra es tan esencial en la canción que es imposible imaginar Zombie sin ella: la prueba definitiva de un solo bien hecho.

Curiosamente, aunque Noel Hogan era el guitarrista principal, quien toca este solo es Dolores O’Riordan con su Gibson ES-335 distorsionada. Usa un pedal de overdrive, sube el gain y añade un poco de reverb para que las notas se fundan entre sí.

El solo gira en torno a la escala pentatónica menor de Mi, y la principal dificultad está en los slides de nota a nota. Empieza deslizándote nota por nota, y luego añade otra cuerda, haciendo que el solo gane complejidad gradualmente.

The Raconteurs – Steady As She Goes (Parte 7)

Este tema del debut de 2006 de Jack White y Brendan Benson con The Raconteurs tiene muchas capas de guitarra y arreglos que lo hacen muy interesante. Esta parte aparece de fondo en el tercer verso, usa Play Guitar Hits para oírla más claramente. La frase sigue la línea vocal en la escala natural de Si menor, con un sonido muy fuzz, lo que supone el principal reto: ¡mantenerla limpia! El resto es bastante directo: tócala despacio y ve aumentando la velocidad a medida que te sientas cómodo.

The Beatles – Drive My Car (2) (Parte 2)

George Harrison no era un shredder, pero podía componer una melodía de ocho compases perfecta en la guitarra, la cual a menudo acababa convirtiéndose en el gancho de la canción. Cualquier solo del catálogo de los Beatles es ideal para trabajar el fraseo y la elección de notas, pero este es especialmente interesante porque te permite practicar la técnica de bottleneck.

El bottleneck o slide fue desarrollado por los bluesmen del Delta del principio del siglo veinte y consiste en usar un tubo de metal o cristal en el anular o meñique para deslizarse entre notas en el mástil.

Este sencillo solo en pentatónica menor de Re es perfecto para iniciarse y trabajar todo lo que hace a un buen guitarrista de slide: afinación, limpieza y vibrato.

Red Hot Chili Peppers – Californication (Parte 7)

Para muchos, este solo es la puerta de entrada al mundo de los solos. El estilo de John Frusciante no es técnicamente complicado, pero rebosa alma, cada nota está exactamente dónde debe estar.

Californication tiene un solo precioso en pentatónica menor de Fa#, que eleva el tema del sombrío La menor de las estrofas. El sonido es bastante limpio, con algo de compresión, y un poco de overdrive que ayuda a controlar los chirridos, sobre todo con los muchos bends que contiene.

U2 – Sunday Bloody Sunday (Parte 6)

¡Corto pero intenso! En solo ocho compases, The Edge transforma esta gran canción de U2 en un monumento. Aunque el guitarrista irlandés tiene fama de crear sonidos complejos con efectos en capas, este solo es otra historia. Usa una Stratocaster con un ampli Vox, un poco de delay y listo. Pero es cómo lo toca lo que lo hace especial.

Toca la melodía en la cuerda mi aguda, usando la B al aire como un drone, lo cual tiene sentido porque la canción está en Si menor. Una gran forma de llenar espacio sin caer en lo artificioso.

John Lee Hooker – Boom Boom (2) (parte 4)

Seamos claros: si quieres aprender a improvisar solos pegadizos, tienes que aprender a tocar blues. La forma de usar la escala pentatónica y la mayoría del vocabulario del rock solista (slides, bends, double stops…) vienen del blues.

Y si quieres hacer sonar el boogie, no hay mejor referencia que John Lee Hooker: ¡él lo inventó! Boom Boom es un clásico de su repertorio. En Play Guitar Hits encontrarás un solo de 12 compases en pentatónica menor de Mi, con muchos licks clásicos que deberías conocer. Muchos de ellos funcionan en distintos contextos y —créenos— te alegrarás de haberlos aprendido.



Aquí los tienes: diez solos que puedes abordar como principiante, todos disponibles en la app Play Guitar Hits con tablaturas y vídeos.

Dedica tiempo a trabajarlos bien y te aportarán licks increíbles que formarán parte de tu propio lenguaje musical.

¡A disfrutar!

5 licks de blues en Sol [Guitar Pro tabs con pista de audio]

Si no tienes la oportunidad de tocar con otros músicos, mi sugerencia es: ¡tráete la banda directamente a casa! La idea de esta jam virtual que os propongo en mi canal de YouTube es muy sencilla, se trata de crear un diálogo musical entre tú y yo. De hecho, en esta canción encontrarás algunas partes sin solo durante las cuales podrás improvisar tu propio solo.

Pero antes de lanzarte a la boca del lobo, aquí tienes algunos consejos e ideas que van a serte útiles.

¡Coge tu guitarra, allá vamos!

Entender la estructura de 12 compases

Estamos en la tonalidad de Sol. La progresión armónica es bastante simple y se basa en 3 acordes (I = G7 / IV = C7 / V = D7), dispuestos según un orden preestablecido. A esto lo llamamos la «estructura» o «progresión». Empezamos con G7 y luego, en el segundo compás, encontramos el acorde IV el cual aporta un ligero movimiento armónico, conocido como cambio rápido, del inglés «quick change».

Como esta variación no es obligatoria, también podríamos haber mantenido cuatro compases con el acorde G7. El resto de la estructura sigue un esquema clásico en la alternancia de acordes: dos compases de IV (C7), dos compases de I (G7), y luego la secuencia V-IV-I-I (D7-C7-G7-G7).

Gracias a su estructura interna, fácilmente divisible en grupos de dos o cuatro compases, el blues es un terreno de juego ideal para practicar el famoso concepto “pregunta y respuesta”.

La primera ronda

Antes de meternos de lleno en ello, déjame empezar con una ronda de 12 compases completa.

La inspiración para esta canción es Come When I Call de John Mayer. Un vistazo rápido a la partitura y verás que está compuesta de 12 compases. De hecho, cada grupo de cuatro compases puede dividirse en dos: 2 compases de ritmo y 2 compases de fraseo de solo.

Hablamos de antecedente y consecuente. La parte rítmica sostiene el groove del tema y marca los tiempos 2 y 4 (también llamados “tiempos débiles”). En cuanto a las frases solistas, están basadas en la famosa posición de la pentatónica menor (aquí en Sol, tercer traste) o en su extensión.

Jam: los 5 licks explicados

Los 5 licks son de cuatro compases. Van seguidos de otros cuatro compases de silencio para que puedas improvisar. Este diálogo dura 3 rondas completas de la progresión.

Lick n.º 1 (compases 1-4)

En el blues o el rock, repetir notas dentro de un lick suena bien. Aquí estamos en la posición 10. Este tipo de lick puede, por supuesto, alargarse tanto como quieras. No obstante, ten cuidado de cómo sales de el.

Lick n.º 2 (compases 9-12)

Una de mis ideas favoritas para una frase es centrarse armónicamente en la secuencia V-IV (D7-C7). Notarás la simetría perfecta entre los dos primeros compases, así como el uso del cromatismo que le da un aire casi jazzístico. La frase final está basada en la famosa posición de la pentatónica menor. Presta atención a los efectos y técnicas que hacen que el blues sea tan especial.

Lick n.º 3 (compases 5-8)

Para este lick me inspiré en BB King. El famoso bluesman solía utilizar licks con la tónica en la segunda cuerda, bloqueada con el dedo índice: se llama “BB Box”. Para dar vida a este tipo de frase, los bendings son esenciales. A esto le sigue un salto transversal hacia la nota tónica Sol, en la primera cuerda (mi aguda), en el traste 15. 

Lick n.º 4 (compases 1-4)

La posición usada es la misma que en el primer lick. Pero esta vez hay más efectos y movimiento. Puedes encontrar este tipo de fraseo en el estilo de Eric Clapton.

Lick n.º 5 (compases 9-12)

Aquí tienes el inicio de un lick inspirado en el Delta Blues y que sigue la secuencia V-IV. Fíjate en que el comienzo está construido sobre la tríada del acorde antes de introducir un cromatismo descendente y varios adornos. El final es una buena muestra del uso transversal de la pentatónica menor.

Guitar Pro 8

Descárgate la versión de prueba de Guitar Pro 8 para poder tocar las partituras que aparecen en este artículo.

Descargar la versión de prueba gratuita de Guitar Pro 8

¿Cómo añadir un archivo de audio a tus partituras? Tutorial Guitar Pro 8

En Guitar Pro 8 ahora puedes añadir un archivo de audio a tus partituras. ¡Esta nueva función tan esencial lo cambia todo! Aquí te explicamos por qué es tan útil y cómo puedes usarla.

Mira este tutorial completo de David Wallimann, donde aprenderás cómo utilizar una pista de audio en tus partituras:

¿Cuáles son las ventajas de añadir una grabación de audio a tus transcripciones?

1 – Te ayuda a transcribir la canción
Incluir la pista de audio de la canción que quieres transcribir dentro de Guitar Pro te permitirá editarla de forma mucho más precisa. Tener el audio dentro de la partitura te ayuda a comprobar si las notas que estás introduciendo son correctas tanto melódica como rítmicamente. Así podrás detectar errores o diferencias con mucha más rapidez.

2 – Ahorra mucho tiempo en el proceso de edición
¡Usa solo un programa en vez de dos! Ya no tendrás que estar cambiando entre Guitar Pro y otro software de audio para escuchar la canción que estás transcribiendo.

3 – Mejora el sonido de tus tabs
Por ejemplo, si añades la grabación de una voz real, tu partitura ganará en realismo. ¿No es genial poder integrar voces o instrumentos reales a tus composiciones?

4 – Puedes usarlo para practicar
Inserta una pista de acompañamiento (backing track) en audio para mejorar tus sesiones de práctica. Esto también puede darte un empujón extra de motivación para aprender nuevas canciones o trabajar ejercicios difíciles.

5 – Facilita compartir tus conocimientos
Añade tu propia voz grabada a las partituras para dar instrucciones a tus alumnos o a tus compañeros de grupo. Escuchar tu voz en lugar de leer texto puede motivarles más y darles mayor confianza al aprender.

¿Cómo acceder a la función de pista de audio?

Haz clic en el icono con forma de onda sonora en la parte superior derecha de la interfaz para abrir la ventana de la pista de audio.

Nota: Si haces clic de nuevo en el icono, cerrarás la ventana, pero no se desactivará la pista de audio ni se eliminaran los cambios. Simplemente se oculta o muestra la ventana. Puedes acceder desde la barra de herramientas o desde el menú:

Ver > Mostrar pista de audio

¿Cómo sincronizar el archivo de audio con tu partitura?

Se pueden dar dos situaciones: quieres añadir la pista de audio a un archivo nuevo o a una partitura ya editada.

Consejo: haz clic en el icono “+” para añadir compases hasta el final de la pista de audio.

Te recomendamos seguir estos dos pasos en este orden:

PASO 1 – Ajustar el “padding” (desfase)

Ajusta y alinea el comienzo del archivo de audio con el inicio de la partitura.

Este primer paso consiste en mover el archivo de audio para que se sincronice correctamente con la partitura desde el principio (aunque también puedes alinearlo en otro punto, mientras coincidan los tiempos).

Usa el ratón y mantén pulsado Ctrl (Windows) o Cmd (macOS) para mover la onda sobre la cuadrícula.

Trucos:

  1. También puedes mover la cuadrícula en relación a la onda, utilizando el primer punto de sincronización [.
  1. Amplia o aleja la onda usando los botones de zoom o el trackpad.
  2. Aparecerá un icono de altavoz cuando coloques el ratón sobre la línea horizontal que marca los compases. Haz clic para reproducir el audio desde el inicio del compás.

PASO 2 – Añadir puntos de sincronización

Una vez establecido el punto de partida, puedes añadir y mover puntos de sincronización directamente sobre la onda. La cuadrícula representa la estructura de la partitura:
Las líneas verticales indican inicios de compás, y las líneas punteadas marcan los tiempos, según el compás en uso.

Puedes mover los puntos o las barras para alinear visualmente la cuadrícula con la onda ▼.

TRUCOS ÚTILES

  1. Haz doble clic en el triángulo del punto de sincronización para fijarlo. Si está en blanco está fijo y no se moverá al ajustar otros puntos.
  2. Puedes añadir puntos haciendo doble clic sobre la onda, o seleccionando una nota y luego haciendo doble clic encima de la onda.
  3. Haz doble clic en una barra vertical para deshacer el cambio de posición.

Consejos generales para una buena sincronización:

  1. Sincroniza primero el principio y el final, luego ajusta el centro.
  2. Ve de izquierda a derecha, paso a paso.

 Ten en cuenta: los puntos de sincronización anulan el tempo de la partitura. Pero puedes generar puntos desde automatizaciones de tempo, y viceversa.

También puedes desactivar temporalmente la pista de audio para volver al tempo original sin borrar el archivo.

¿Cómo cambiar el tono de la pista de audio?

¿Para qué sirve cambiar el tono? Muy sencillo: para que coincida con la tonalidad de tu partitura.
Puedes modificarlo usando los botones de “Semitonos” y “Cents” (centésimas de tono).

¿Cómo aplicar filtros a la pista?

¿Para qué sirven los filtros?

Pueden ayudarte a aislar ciertos elementos, como el bajo, y así escucharlos mejor para sacar las notas de oído con más facilidad.

Opciones de guardado

Hay dos formas de guardar una partitura con pista de audio:

«Incrustada» (embedded)
El archivo de audio se guarda dentro del archivo de Guitar Pro. Al mover o compartir el archivo .gp, la pista de audio estará siempre incluida (aunque el tamaño del archivo será mayor).

«No incrustada» (unembedded)
El archivo de audio queda separado del de Guitar Pro. Tienes que mantener ambos en la misma carpeta y ruta para que funcionen juntos, si quieres compartirlos fácilmente.

¿Qué hay de nuevo en Guitar Pro 8?

Esperamos que este tutorial te ayude a sacarle el máximo partido a esta nueva y potente función de Guitar Pro 8. Si tienes dudas, ¡no dudes en dejarlas en los comentarios!