Esta guía de power chords le ayudará a entender, tocar y divertirse con los acordes quizás más útiles y esenciales que necesita conocer cuando aprende a tocar la guitarra. Descargue la guía en PDF de acordes de potencia con tablas y diagramas para aprender más sobre las formas, la digitación y las posiciones en el mástil. Practíquelos con las tablaturas de canciones exitosas que utilizan power chords, como “Smells Like Teen Spirit” y “Eye of the Tiger”.
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Todos hemos pasado por eso: el primer paso es querer aprender a tocar la guitarra, que suele llegar después de haber escuchado una canción que le dejó boquiabierto. Ahora tiene su guitarra de principiante, su púa y su ordenador y se pregunta por dónde empezar. Por supuesto, es difícil encontrar el equilibrio entre encontrar una canción que quiera tocar pero que no le resulte tan difícil que quiera abandonar.
Así que aquí tiene nuestra selección de veinte canciones de rock fáciles que debería aprender. Las hemos puesto en un orden que tiene sentido desde el punto de vista de la curva de aprendizaje, ¡pero siéntase libre de elegir la que más le apetezca tocar de su instrumento!
Están disponibles en la aplicación Play Guitar Hits, que le da acceso a vídeos de la parte de guitarra tocada en sincronía con las tablaturas.
Come as you are Sólo recuerde: lleva tiempo y práctica para todos, en algún momento incluso el propio Hendrix fue un principiante…
Algunos guitarristas le dirán que es fácil tocar blues, lo que es a la vez algo cierto y terriblemente falso.
Técnicamente, no necesita destrozar a la velocidad de la luz para tocar los bends pentatónicos que tanto nos gustan.
Armónicamente, la mayoría de las progresiones de acordes de blues son similares y bastante sencillas.
Pero el blues es un idioma, un lenguaje que hay que estudiar a fondo si se quiere hablar con fluidez.
No se trata simplemente de tocar notas aleatorias de la escala en un blues de 12 compases: requiere tiempo y pasión.
Estos 20 planes han sido creados con pasión, ¡ahora le toca a usted dedicarles tiempo!
Toque los grandes estándares del blues con la aplicación Play Guitar Hits.
Aprenda a su ritmo y nivel, con vídeos a dos manos y partituras interactivas.
Progrese paso a paso y toque los temas imprescindibles de grupos legendarios como Pink Floyd, Foo Fighters, Muse, Queen, Guns N Roses, AC/DC, Led Zeppelin, The Rolling Stones Oasis…
Descubra los secretos de algunos de los mejores músicos y guitarristas del mundo, como Cory Wong, Joe Duplantier, Oz Noy, Pierre Danel, Nate Savage, Julien Bitoun, Réda Boucher, Jean-Félix Lalanne, Gareth Evans ¡y muchos más!
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El blues tiene una rica historia que ha definido en gran medida la evolución de la música en el siglo XX.
El rock es una evolución directa del blues (hasta el punto de que la frontera entre ambos es muy fina), pero el hip-hop y el RnB (¡al fin y al cabo, la B significa blues!) también proceden de esta tradición.
De hecho, es difícil pensar en un estilo de música popular que haya surgido en los últimos cien años que no le deba algo al blues.
Aunque existen innumerables tendencias en el blues, tres grandes movimientos conforman las principales etapas en el desarrollo del estilo.
El blues del Delta surgió en el Delta del Misisipi (de ahí su nombre) a principios del siglo XX, con leyendas como Charley Patton y Son House.
Los artistas del Delta Blues solían estar solos, cantando y tocando al mismo tiempo sin estar acompañados por otros músicos.
Rara vez tocaban solos tal y como los entendemos hoy en día, y sus canciones se construían a menudo en torno a estructuras de un solo acorde.
Monstruos como Leadbelly, Blind Willie Johnson y Robert Johnson definieron el futuro del blues y el rock, y escribieron muchos de los estándares.
Como guitarristas, tenían un estilo extremadamente complejo que no se ha reproducido realmente desde entonces.
El blues de Chicago es el movimiento que definió las reglas y convenciones del blues que hoy damos por sentadas.
Los artistas afroamericanos abandonaron el Mississippi rural en busca de una vida mejor, un trabajo de verdad y la ausencia de segregación en el Norte industrial, sobre todo en Chicago. Muddy Waters fue uno de los pioneros del blues de Chicago en el sello Chess a principios de los años 50, y su estilo eléctrico acompañado de bajo, batería y piano se convirtió en una especie de patrón oro.
Los británicos escucharon entonces estos singles en Chess y crearon su propia versión del blues, una interpretación más rígida y agresiva con prominentes solos de guitarra.
Todos los grandes guitarristas de los sesenta aparecieron como parte del British Blues Boom, entre ellos Eric Clapton, Peter Green, Jeff Beck y Jimmy Page.
Con el tiempo, el blues se ha mezclado con el rock hasta el punto de que ambos se han acercado mucho, y muchos otros se sitúan en algún punto intermedio.
Todos los buenos héroes de la guitarra conocen el blues, y todos han aprendido su oficio robando riffs de los primeros álbumes de Clapton, ya sea Duane Allman o Van Halen.
Así que ha llegado el momento de iniciar su exploración del blues con la ayuda de estos veinte golpes inspirados en diez leyendas del blues.
El estilo de cada guitarrista se reproduce en dos frases diferentes, una más sencilla y otra que requiere un poco más de trabajo.
Es un poco como un diccionario de los clichés del género, con un montón de buenas ideas que puede utilizar para desarrollar su propio enfoque.
Sin duda habrá oído hablar de la estructura de doce compases I-IV-V (y si no lo ha hecho, tendrá que ponerse a ello), y el segundo plan para cada artista se sitúa al final de esta estructura, cuando el acompañamiento pasa de V a IV antes de volver a I. El primer plan funciona con un solo acorde estático, lo que facilita su uso en otras situaciones.
Por su propia naturaleza, el blues es un estilo basado en una tradición oral, por lo que todas las sutilezas de matiz y expresión de estos planos no pueden traducirse íntegramente mediante un simple archivo GP (¡no por falta de intentos!).
Por ello, cada toma va acompañada de una versión de audio que complementa la transcripción en GP para ayudarle a entender cómo debe sonar.
Por supuesto, el blues es un estilo muy personal, una música que ha ayudado a muchos músicos a expresar sus frustraciones, arrepentimientos y traumas más profundos.
No hay dos músicos de blues que suenen igual, porque cada uno de ellos tiene una historia diferente que contar.
Tocar blues consiste en contar su historia con sus propias palabras y sus propias notas.
Estos veinte licks son excelentes puntos de partida para ayudarle a crear su propio repertorio de licks encontrando las frases y notas que resuenen con lo que tiene que decir.
Descargue la demo gratuita de Guitar Pro 8 para leer las partituras de Guitar Pro propuestas en este artículo.
¡Larga vida al Rey! Es bastante lógico que los dos primeros golpes de esta lección de blues estén inspirados en B.B. King, ya que él definió en gran medida el solo de blues. Esencialmente inventó la forma en que tocamos los bends hoy en día. Aunque empezó tocando en acústico en Mississippi, se hizo famoso como bluesman eléctrico en Memphis. Su forma de tocar explota al máximo las posibilidades expresivas de nuestro instrumento para que suene lo más parecido posible a la voz humana.
Plan 1 al estilo de BB King :
Plan 2 al estilo de BB King :
Los Planos 1 y 2 tienen los abrasadores bends que todo el mundo le robaba a B.B., así como su típica mezcla de escalas pentatónicas mayores y menores, aquí en re. El Plan 1 es relativamente directo, mientras que el Plan 2 tiene una frase cromática más jazzística, lógico ya que B.B. King era un artista crossover, lo que significa que llevó el blues en direcciones más pop y jazzísticas con éxitos como ‘Thrill Is Gone‘ y ‘Hummingbird’, y por supuesto su legendario álbum en directo de 1965 At The Regal.
Si es nuevo en la guitarra de blues, es importante que conozca a Billy Gibbons. Formó el trío ZZ Top en 1969 y desde entonces ha estado tocando por todo el mundo, acumulando éxitos en las listas de éxitos y convirtiéndose en una leyenda en el proceso. Aunque nunca se ha alejado mucho de su gran Blues de Texas, lo ha hecho más contemporáneo mezclando las modas de distintas épocas, desde los sintetizadores de los 80 al Autotune de los 2000.
Plan 3 al estilo de Billy Gibbons :
Plan 4 al estilo de Billy Gibbons :
El plan 3 es un patrón de deslizamiento repetitivo, una frase en mi pentatónica menor, típica del estilo de Gibbons.
El Plan 4 también está en Mi pentatónica, pero la primera curva lleva la tercera menor a la mayor, creando la ambigüedad armónica del blues.
Muddy Waters es el más grande de los bluesmen de Chicago, un excelente cantante que consiguió mantenerse vigente hasta el final de su carrera en los años 80 (con la ayuda de su discípulo Johnny Winter) y un guitarrista con un estilo muy crudo, grandes ideas, un sonido magnífico y las suficientes notas erróneas para mantener el interés del oyente.
Su afiladísima forma de tocar el bottleneck es especialmente bella.
Plan 5 al estilo de Muddy Waters :
Plan 6 al estilo de Muddy Waters :
El plan 5 muestra algunas frases clásicas en sol menor pentatónica, mientras que el plan 6 también tiene algunos planes en slide (sin cuello de botella).
Buddy Guy es un poco más joven que Muddy Waters, y era el chico nuevo del barrio cuando llegó a Chicago a finales de los 50, con una voz penetrante y un solo estridente con su Stratocaster que influyó profundamente en un bluesman de Seattle llamado Jimi Hendrix. Ahora, con 86 años y todavía tocando en directo, es una inspiración para los aficionados al blues de todo el mundo.
Plan 7 al estilo de Buddy Guy :
Plan 8 al estilo de Buddy Guy :
Plan 7 tiene el picante y la agresividad que hacen tan reconocible la forma de tocar de Buddy. Se desarrolla sobre un acorde de re estático, y el compás 3 comienza sobre una pentatónica mayor sobre menor que Jimmy Page utilizaba mucho. El Plan 8, por su parte, ofrece su ración de tórridas curvas.
Johnny Winter representaba a la nueva generación de bluesmen estadounidenses de finales de los 60, influidos por los pioneros de Chicago, el boom del blues británico y las bandas psicodélicas de la costa oeste. Fue famoso por el agudo sonido slide que sacaba de una Gibson Firebird, y por el virtuosismo de su forma de tocar que llevó el blues a los años 70, la era de la «guitarra-héroe».
Plan 9 al estilo de Johnny Winter :
Disparo 10 al estilo de Johnny Winter :
El plan 9 en si bemol es de ritmo rápido, pasando de patrones repetitivos de legato a dobleces, mientras que el plan 10 toma prestadas las sextas del vocabulario de la música country.
Aunque el «hombre del boogie» nació en Mississippi, se convirtió en músico profesional en Detroit, una ciudad que no se asocia a menudo con el blues. Sus mejores canciones son grabaciones en solitario en las que se pueden escuchar sus profundas raíces africanas y su groove embrujado, obras maestras como «Boogie Chillun» y «Crawling King Snake».
Plan 11 al estilo de John Lee Hooker :
Plan 12 al estilo de John Lee Hooker :
Ambos planos están en mi. El plan 11 termina con dos notas deslizadas en el bajo, un cliché típico de muchos solistas de blues. El plan 12 presenta una melodía girada que concluye perfectamente un blues de 12 compases.
En los años 80, cuando el blues ya no estaba en absoluto de moda, el tejano Stevie Ray Vaughan apareció como sideman de David Bowie. Después desarrolló su carrera en solitario, mezclando el ataque nervioso de un Albert King con el sentido melódico de Jimi Hendrix. Volvió a poner de moda el blues y la mayoría de los guitarristas aún sueñan con el enorme sonido de su Strat.
Plan 13 al estilo de Stevie Ray Vaughan :
Plan 14 al estilo de Stevie Ray Vaughan :
El plan 13 hace un buen uso de los dobles registros, y necesita ser tocado con un buen ataque.
El plan 14, también en La, muestra el lado más virtuoso de la forma de tocar de SRV, con una preciosa frase legato entre mayor y menor que se transpone para seguir los acordes del acompañamiento.
Clapton es el bluesman británico por excelencia, el hombre que hizo que toda una generación quisiera tocar la Les Paul y definió el sonido de un Marshall llevado al límite, ya fuera con John Mayall o como parte del power trío original Cream. Sus éxitos posteriores se inclinaron más hacia el lado pop de la fuerza, pero aún podía tocar una jam de 12 compases como nadie.
Plan 15 al estilo de Eric Clapton :
Plan 16 al estilo de Eric Clapton :
La toma 15 alterna entre Do mayor y menor, mientras que la toma 16 muestra el lado más rápido de la forma de tocar de Clapton, incluyendo una hermosa frase con dobles paradas y hammer-ons que absolutamente debe robar.
Gary Moore era fan de Peter Green, el guitarrista de Fleetwood Mac a finales de los 60, así que le compró su Les Paul. Pero el irlandés no se convirtió inmediatamente en un ídolo del blues: empezó tocando hard rock y heavy metal antes de publicar su álbum más vendido, Still Got The Blues, en 1990. Podía tocar licks ultratécnicos, pero también tenía un vibrato ultraintenso capaz de arrancar una lágrima a cualquier oyente.
Plan 17 al estilo de Gary Moore :
Plan 18 al estilo de Gary Moore :
El plan 17 comienza con un acorde arpegiado en torno a la 7ª menor y la tercera mayor, salido directamente del vocabulario de Hendrix.
¡No sea tímido con el vibrato de la mano izquierda!
También hay algunas notas inusuales en el plan 18, en particular una sexta en La que subraya la estructura de acordes en la tonalidad de Re.
Joe Bonamassa ya era telonero de B.B. King a los 11 años. Desde entonces, el nativo de Utica, Nueva York, ha construido una carrera en solitario muy productiva, con un álbum al año y un creciente número de seguidores entre los aficionados al blues y los frikis de la guitarra.
Plan 19 al estilo de Joe Bonamassa
Plan 20 al estilo de Joe Bonamassa :
Ambos licks están en Si (una tonalidad especialmente bonita en una guitarra tipo Gibson) y en el lick 19 hay un bend que empieza como un simple bend de medio tono y luego se convierte en un bend de medio tono, un truco muy potente.
El plan 20 contiene la frase más rápida de toda la lección, una mezcla de legato y slide que recuerda a Eric Johnson.
¡Seguro que sorprenderá y asombrará a su público si consigue dominarlo!
Como siempre, estas veinte notas deben trabajarse primero a velocidad lenta si quiere que suenen lo más claras posible.
Siéntase libre de transponerlas a otras tonalidades o de incorporar algunas de estas notas a sus propias improvisaciones.
¡Diviértase!
¿Da vueltas en círculos en sus improvisaciones sobre la escala pentatónica ? ¿Toca siempre las mismas notas? ¿Le cuesta ser creativo y avanzar más allá de la primera posición de la escala?
En este artículo, le llevaré a través de 21 licks pentatónicos para sugerirle nuevos conceptos que incorporar a sus solos de guitarra.
De acuerdo, el ritmo es sin duda la parte más importante de tocar la guitarra, y si quieres montar una banda y componer canciones, necesitas dominar los power chords y mejorar tu técnica de rasgueo.
Pero dicho esto… ¿hay algo más divertido que tocar un solo? La historia de la guitarra rock está hecha de esos momentos épicos de 30 o 40 segundos en los que nuestro instrumento favorito se convierte en el protagonista absoluto, aportando su versión de la canción.
Como principiante, es comprensible que te dé algo de respeto empezar con los solos. Se consideran más exigentes técnicamente que las partes rítmicas (aunque eso es debatible) y pueden parecer mucho trabajo. Pero hay solos más sencillos, sobre todo porque no son tan rápidos ni están tan llenos de notas como otros, hecho que no los hace nada menos divertidos.
Para trabajar un solo, empieza escuchándolo varias veces para entender su musicalidad y intención. Luego aprende la parte rítmica si realmente quieres comprender cómo se articula. Y después métete de lleno con el solo en sí. En la app Play Guitar Hits tienes muchas lecciones de guitarra, y muchas de ellas te guían por partes de guitarra solista fáciles y te muestran exactamente cómo tocarlas.
No vayas demasiado rápido: que puedas tocar un lick o una frase no significa que domines el solo. Empieza con la primera frase musical, tócala despacio y, una vez que te salga limpia, sube la velocidad hasta alcanzar el tempo original. Luego haz lo mismo con la segunda frase y tócalas juntas con la pista. Y así sucesivamente. Tocar un solo significa tenerlo todo memorizado, lo cual requiere tiempo y paciencia, pero es la mejor manera de mejorar como guitarrista solista. Hacerlo te enseñará cómo construir solos, además de aprender licks que podrás usar en tus propias canciones.
Sin más rodeos, aquí tienes diez solos legendarios que puedes tocar como principiante con un poco de práctica. Todos están disponibles en Play Guitar Hits, donde encontrarás las tablaturas y vídeos, los cuales podrás ralentizar para captar todos los detalles.
¡Elige una canción que te guste y empieza a rockear!
Muy pocos guitarristas consiguen transmitir tanta emoción con tan pocas notas. Kurt Cobain era un gran músico capaz de contar una historia con apenas unas frases.
Este solo es básicamente la melodía vocal tocada con la guitarra, lo cual siempre es un buen truco si no sabes cómo enfocar tu parte solista. Hay muchos slides y también un bend de dos cuerdas a la vez, pero el estilo despreocupado de Cobain hace que no tengas que obsesionarte con la afinación de los bends.
En cuanto al sonido, la distorsión es imprescindible y un pedal chorus te acercará al efecto acuático de la grabación original.
Este himno del indie de finales de los 80 comienza con una melodía de guitarra icónica que, aunque no es un solo como tal, usa técnicas del lenguaje solista y es tan divertida de tocar que no querrás perdértela por una cuestión técnica.
El guitarrista Joey Santiago toca este lick con su Les Paul, con overdrive a media potencia, aprovechando la disonancia de tocar la cuerda al aire (mi aguda) junto con el mib (traste 4 de la segunda cuerda). De hecho, esta canción utiliza la escala mayor de Mi en lugar de la habitual pentatónica menor.
¡Otro solo en escala mayor! Este está en Do mayor y es tan épico como la canción a la que pertenece. Noel Gallagher lo toca con una Epiphone Sheraton con una distorsión suave, pero en Play Guitar Hits encontrarás un arreglo más tranquilo para guitarra acústica. No se aleja mucho del original y te permite practicar double stops (tocar frases solistas en dos cuerdas a la vez), una técnica clásica que popularizó Chuck Berry.
Hablando de Chuck Berry, aquí tienes un solo de blues que aprovecha su clásico lick, alternando bends en la cuerda G con double stops en las cuerdas B y E aguda.
Aunque Steve Cropper solo toca la parte rítmica en la grabación original, en Play Guitar Hits encontrarás un solo bluesero muy guay que encaja perfectamente con el vamp en mi menor pentatónica sobre el que gira toda la canción. Se usan algunas notas de la escala mayor de Mi, pero el resto es puro blues pentatónico menor, desde la primera posición hasta la octava. El solo tiene muchísimos licks buenos, incluyendo uno increíble con bend en la G junto con una nota sin bend en la B.
Cada lick aquí es una joya para tu vocabulario bluesero. ¡Ya sabes lo que toca!
Este clásico de los 90 se mueve entre tema instrumental y solo. La parte de guitarra es tan esencial en la canción que es imposible imaginar Zombie sin ella: la prueba definitiva de un solo bien hecho.
Curiosamente, aunque Noel Hogan era el guitarrista principal, quien toca este solo es Dolores O’Riordan con su Gibson ES-335 distorsionada. Usa un pedal de overdrive, sube el gain y añade un poco de reverb para que las notas se fundan entre sí.
El solo gira en torno a la escala pentatónica menor de Mi, y la principal dificultad está en los slides de nota a nota. Empieza deslizándote nota por nota, y luego añade otra cuerda, haciendo que el solo gane complejidad gradualmente.
Este tema del debut de 2006 de Jack White y Brendan Benson con The Raconteurs tiene muchas capas de guitarra y arreglos que lo hacen muy interesante. Esta parte aparece de fondo en el tercer verso, usa Play Guitar Hits para oírla más claramente. La frase sigue la línea vocal en la escala natural de Si menor, con un sonido muy fuzz, lo que supone el principal reto: ¡mantenerla limpia! El resto es bastante directo: tócala despacio y ve aumentando la velocidad a medida que te sientas cómodo.
George Harrison no era un shredder, pero podía componer una melodía de ocho compases perfecta en la guitarra, la cual a menudo acababa convirtiéndose en el gancho de la canción. Cualquier solo del catálogo de los Beatles es ideal para trabajar el fraseo y la elección de notas, pero este es especialmente interesante porque te permite practicar la técnica de bottleneck.
El bottleneck o slide fue desarrollado por los bluesmen del Delta del principio del siglo veinte y consiste en usar un tubo de metal o cristal en el anular o meñique para deslizarse entre notas en el mástil.
Este sencillo solo en pentatónica menor de Re es perfecto para iniciarse y trabajar todo lo que hace a un buen guitarrista de slide: afinación, limpieza y vibrato.
Para muchos, este solo es la puerta de entrada al mundo de los solos. El estilo de John Frusciante no es técnicamente complicado, pero rebosa alma, cada nota está exactamente dónde debe estar.
Californication tiene un solo precioso en pentatónica menor de Fa#, que eleva el tema del sombrío La menor de las estrofas. El sonido es bastante limpio, con algo de compresión, y un poco de overdrive que ayuda a controlar los chirridos, sobre todo con los muchos bends que contiene.
¡Corto pero intenso! En solo ocho compases, The Edge transforma esta gran canción de U2 en un monumento. Aunque el guitarrista irlandés tiene fama de crear sonidos complejos con efectos en capas, este solo es otra historia. Usa una Stratocaster con un ampli Vox, un poco de delay y listo. Pero es cómo lo toca lo que lo hace especial.
Toca la melodía en la cuerda mi aguda, usando la B al aire como un drone, lo cual tiene sentido porque la canción está en Si menor. Una gran forma de llenar espacio sin caer en lo artificioso.
Seamos claros: si quieres aprender a improvisar solos pegadizos, tienes que aprender a tocar blues. La forma de usar la escala pentatónica y la mayoría del vocabulario del rock solista (slides, bends, double stops…) vienen del blues.
Y si quieres hacer que sonar el boogie, no hay mejor referencia que John Lee Hooker: ¡él lo inventó! Boom Boom es un clásico de su repertorio. En Play Guitar Hits encontrarás un solo de 12 compases en pentatónica menor de Mi, con muchos licks clásicos que deberías conocer. Muchos de ellos funcionan en distintos contextos y —créenos— te alegrarás de haberlos aprendido.
Aquí los tienes: diez solos que puedes abordar como principiante, todos disponibles en la app Play Guitar Hits con tablaturas y vídeos.
Dedica tiempo a trabajarlos bien y te aportarán licks increíbles que formarán parte de tu propio lenguaje musical.
¡A disfrutar!
Si no tienes la oportunidad de tocar con otros músicos, ¡te sugiero que traigas la banda directamente a casa! La idea de esta jam virtual que propongo en mi canal de YouTube es muy sencilla, ya que se trata de crear un diálogo musical entre tú y yo. De hecho, en esta canción encontrarás algunas partes sin solo durante las cuales podrás improvisar tu propio solo.
Pero antes de lanzarte a la boca del lobo, aquí tienes algunos consejos e ideas que pueden serte útiles.
¡Coge tu guitarra, allá vamos
Estamos en la tonalidad de Sol. La progresión armónica es bastante simple y se basa en 3 acordes (grado I = G7 / grado IV = C7 / grado V = D7), dispuestos según un orden preestablecido. A esto lo llamamos una «estructura» o «cuadrícula». Empezamos con G7 y luego, en el compás 2, encontramos el acorde del IV grado para aportar un ligero movimiento armónico: es lo que llamamos un “cambio rápido”.
Como esta variación no es obligatoria, también podríamos haber mantenido cuatro compases con el acorde G7. El resto de la cuadrícula sigue un esquema muy clásico en la alternancia de grados: dos compases del IV (C7), dos compases del I (G7), y luego la secuencia V-IV-I-I (D7-C7-G7-G7).
Gracias a su estructura interna, fácilmente divisible en grupos de dos o cuatro compases, el blues es un terreno de juego ideal para practicar el famoso concepto de “pregunta y respuesta”.
Pero antes de meternos de lleno en eso, déjame empezar con una cuadrícula completa.
La inspiración para esta canción es Come When I Call de John Mayer. Un vistazo rápido a la partitura y verás cómo se descompone naturalmente esta estructura de 12 compases. De hecho, cada grupo de cuatro compases puede dividirse en dos:
2 compases de ritmo y 2 compases de fraseo de solo.
Hablamos de antecedente y consecuente. La parte rítmica sostiene el groove del tema y marca los tiempos 2 y 4 (también llamados “tiempos débiles”). En cuanto a las frases solistas, están basadas en la famosa posición de la pentatónica menor (aquí en Sol, tercer traste) o en su extensión.
Ahora todos tienen 4 compases para tocar y este diálogo dura 3 vueltas completas de la cuadrícula.
En el blues o el rock, repetir notas dentro de una frase suena bien y queda genial. Aquí estamos en la posición 10. Este tipo de frase puede, por supuesto, alargarse tanto como quieras. No obstante, ten cuidado con cómo sales de ella.
Una de mis ideas favoritas para una frase es centrarse armónicamente en la secuencia V-IV (D7-C7). Notarás la simetría perfecta entre los dos primeros compases, así como el uso del cromatismo que le da un aire casi jazzy. La frase final está basada en la famosa posición de la pentatónica menor. Presta atención a los efectos y técnicas que hacen que el blues sea tan especial.
Para esta frase, me inspiré en BB King.
El famoso bluesman solía utilizar frases con la tónica en la segunda cuerda y bloqueada con el dedo índice: se llama “BB Box”. Para dar vida a este tipo de frase, los bendings son esenciales. A esto le sigue un salto transversal hacia la nota tónica Sol, en la primera cuerda (mi aguda), en el traste 15.
La posición usada es la misma que en la primera frase. Pero esta vez hay más efectos y movimiento. Puedes encontrar este tipo de fraseo en el estilo de Eric Clapton.
Aquí tienes el inicio de una frase inspirada en el Delta Blues y que sigue la secuencia V-IV. Fíjate en que el comienzo está construido sobre la tríada del acorde antes de introducir un cromatismo descendente y varios adornos. El final es una buena muestra del uso transversal de la pentatónica menor.
Descárgate la versión de prueba de Guitar Pro 8 para tocar las partituras que aparecen en este artículo.
In Guitar Pro 8 you can now add an audio file to your scores. This new essential feature changes everything! Here is why and how to use the audio track.
Watch David Wallimann’s new comprehensive tutorial in which you will learn how to use the audio track in your scores:
1 – It helps you transcribe a song
Adding the audio track of the song you want to transcribe into Guitar Pro will help you edit it correctly. Having the audio track in the score will allow you to check if the notes you add are melodically and rhythmically correct. You can easily and quickly find out if the edited score contains errors or differences.
2 – And it saves you a lot of time during the edition process
Use one software only instead of 2! Do not switch anymore from Guitar Pro to audio software to listen to the song you’re transcribing!
3 – It improves the sound of your tabs
For instance, adding the recording of a singer’s voice will add realism to your tabs. How cool is it to add the recording of a real human voice or real instruments to your compositions?
4 – You can use it to practice
Insert the audio file of a backing track to improve your practice time. This also can boost your motivation to learn new songs or to practice difficult exercises.
5 – You can share your knowledge more easily
Add the recording of your own voice into your tabs to share your pedagogical instructions with your students or band members. Your students will be guided by your voice rather than by text. This can motivate them more and give them more confidence in their learning.
Click on the icon with the waveform on the top right of the interface to open the audio track window.
Please note that when you click again on this icon, you close that window. But you don’t activate or deactivate the audio track, you simply open or close the window of the audio track. It doesn’t delete your changes.
The window display can also be accessed from the toolbar via the button or via the View > Show Audio Track menu.
2 situations: you can add an audio track in a new file or in a score that you have already edited.
TIP: click on the “+” icon to add bars on the score until the end of the audio track.
We advise you to follow these 2 steps, ideally in that order:
STEP 1 – Adjust the “padding”
Adjust, move and match the beginning of the audio file with the beginning of the score.
The first step consists in adjusting the padding of the audio file, in order to make a first correspondence between the score and the audio file that will be used as a starting point for the synchronization process.
Most of the time, the goal is to try to make the beginning of the audio file coincide with the beginning of the score, but it is also possible to do it at any time of the file as long as it coincides with the same time of the score.
Move the waveform on the grid with the mouse by holding down the “Ctrl” (Windows) or “Cmd” (macOS) keys.
TIPS:
1 – you can also move the grid on the waveform using the first synchronization point [.
2 – you can zoom in and out the waveform with the 2 buttons and with the keyboard pad to be very precise.
3 – a little “speaker icon” appears when you place your mouse cursor on top of the waveform. Click it to play the score from the beginning of the bar.
STEP 2 – Place the sync points to adjust the synchronization
Once the starting point is established, you can now add and move sync points via the grid displayed on the waveform. The grid corresponds to the structure of the score. The vertical bars correspond to the beginnings of the bars, and the dotted bars correspond to the beats of the bar, (based on the time signature).
You can visually match the grid with the waveform by moving the bar and time bars or via the sync points directly ▼.
TIPS
1 – double click on the sync point triangle head to fix it. When the triangle is white, it means that the point is fixed. Moving a sync point never affects the position of the other existing white fixed points. Black points will obviously move.
2 – you can add synchronization points. You do that by double-clicking above the waveform, or by selecting a note on the score and then double click above the waveform.
3 – double click on the vertical bar to cancel the changes of position.
ADVICE
Here is some advice to help you synchronize your audio files:
1 – synchronize the beginning and end first, then adjust the middle of the song.
2 – synchronize from the left to the right, by synchronizing the beginning first, then progressing in the song set by step.
Please note that the sync points take over the tempo of the score, they modify the tempo of the score. The tempo on the score is indeed bypassed as soon as synchronization points are set. But it’s possible to create sync points from score tempo automations. And to create score tempo automations from sync points.
You can also deactivate the audio track, without deleting it completely, to return to the tempo of the score.
Why would you need to change the pitch after adding an audio file? Simply to match the tonality of the score already edited. You can change the pitch with these 2 buttons: “Semitones” and “Cents”.
What are the benefits of applying a filter on the audio track?
It can help your edition process to isolate the bass for instance to listen to it more closely and find the note more easily by ear.
There are 2 ways to save a score containing an audio track:
Embedded (The file size may be bigger).
The audio file is integrated into the Guitar Pro file, and if you simply move or share the Guitar pro P file, the audio file will always be present.
Unembedded
The audio file stays separated from the Guitar Pro file, so you have to keep the same path if you move the audio or Guitar Pro file. This puts the Guitar Pro and the audio files in the same folder for easy sharing.
We hope that this tutorial will help you make the most of this new and very useful feature of Guitar Pro 8.
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